Что такое «античная скульптура»? Буквальный перевод слова «античный» – это «древний». Но в европейской традиции под античностью подразумевается только греко-римская культура, вплоть до победы в этом регионе христианского мировоззрения. Таким образом, античные скульптуры – это греко-римские и находившиеся под их влиянием эллинистические образцы скульптуры средиземноморья.
Античная скульптура имеет исключительную историческую и культурную ценность для мировой цивилизации. Этот период не зря называют «золотым веком» скульптуры, поскольку именно скульптура была главным художественным языком эпохи. В ней воплотились идеи гуманизма, гармонии внутренней и внешней красоты человека.
Этот гимн красоте, гимн человеку и его возвышенным устремлениям был стержнем греческой культуры. Со временем, идеалистический пыл поугас, но внимание к человеку (к его внутреннему миру, индивидуальности в ее внешних проявлениях) осталось.
Закат античного мира был связан с нарастанием дисгармонии духовного мира и общественного бытования. Христианство, возложив вину на телесную природу человека, попыталось подавить тело, ополчившись и на его изображения. Большинство античных статуй было уничтожено.
Однако жажда красоты и идея гармонии не могут быть уничтожены. Посеянные античностью семена, философские и эстетические представления, прорастали на всем протяжении средневековья и расцвели пышным садом в эпоху Ренессанса. Творения античного гения были признаны классикой, которые можно повторить, но превзойти невозможно. По сути, все ключевые идеи европейской культуры уже были высказаны и воплощены в античности.
Архаическая Греция
Монументальная скульптура гомеровского периода изготавливалась преимущественно из дерева и до нас не дошла. Сохранилось немного образцов мелкой пластики культового характера из терракоты, слоновой кости и бронзы, демонстрирующих зачатки интереса к художественному изображению тела.
В период архаики греческое искусство развивалось под влиянием крито-микенской, а через нее и месопотамской, а также египетской культур. Соединяясь с местными традициями это влияние породило первые массовые художественные воплощения. Появляются коры (девушки) и куросы (юноши) – статуи для вотивного приношения или мемориальных целей.
Эти статуи из известняка или мрамора чаще всего делались в рост человека. Коры изображали одетых в хитоны и пеплосы девушек, одна рука которых поддерживала полу длинной одежды, а другая была согнута в локте, принося подношение богам, или приложена к груди. Куросы изображали обнаженных юношей-атлетов, руки которых чаще были вытянуты вдоль тела.
Объединяет фигуры симметричность, статичная фронтальная поза, одна нога статуй слегка выдвинута вперед. На лице кор и куросов блуждает так называемая «архаическая улыбка». Эта улыбка, наряду с яркими красками, которыми покрывали статуи, должна была оживлять изображения, придавать им беззаботный, радостный вид. Улыбка совершенно не зависела от контекста и зачастую придавала скульптуре странное, удивленное выражение.
По мере эволюции архаические статуи становились все более реалистичными. Одна из самых знаменитых статуй того времени – «Мосхофор» («тельценосец»). При ваянии куросов больше внимания уделялось анатомии, у кор же акцент делался на тщательности прорисовки прически и одежды, красоте складок пеплосов.
С начала греко-персидских войн улыбки сходят с лиц кор и куросов. А скоро и сами эти разновидности статуй исчезают. Самая крупная находка кор начала VI века до н. э. была сделана на афинском Акрополе. Считается, что после осквернения статуй персидскими войсками греки закопали коры возле святилища.
Скульптура архаики не исчерпывается корами и куросами. В эпоху архаики было создано множество рельефных композиций и мемориальных скульптур. И все же, эти статуи наиболее показательны для понимания эволюции творческих идей. Скульпторы шли в сторону реализма, искали способы передать эмоции и движение.
Греческий классицизм
В начале V века до н. э. в греческой скульптуре побеждает тенденция к правдивости, раскрепощенности образа. Античные скульпторы пытаются создать изображения, которые были бы органичны, уравновешены, цельны. Таков, например, «Возничий» - редкий образец бронзовой скульптуры, уцелевший фрагмент групповой композиции, исполненной около 450 г. до н.э. Его лицо сдержано, выражает спокойное благородство, невозмутимость, осознание своей победы.
На самом деле, оригиналов классических статуй сохранилось не так много, так как большинство из них отливалось в бронзе или изготавливалось в смешанной технике. Одна из самых значимых находок мраморных скульптур связана с раскопками Олимпии в XIX веке. Храмы Олимпии были разрушены христианами, обломки их оказались под землей, где и пролежали много веков. При раскопках было найдено сто тридцать мраморных статуй и барельефов.
Реконструкция фронтона храма Зевса позволила увидеть скульптурные композиции, посвященные битве лапифов с кентаврами. Эти композиции поражают прежде всего грандиозностью, продуманностью замысла, когда каждая фигура органически спаяна с другими, соразмерна и созвучна конструкции храма. Все они воплощают принцип греческого классического искусства – это воспроизведение природы, творчески исправленное и дополненное художником.
Одной из самых знаменитых скульптурных композиций классицизма являются «Тираноборцы» скульпторов Крития и Несиота. Эта композиция – бронзовая реплика более ранней, вывезенной из Афин персами. Сама она тоже сохранилась только в римских мраморных копиях и на иных предметах искусства.
Примечательность этой знаменитой композиции в том, что она чуть ли не впервые была объединена единым сюжетом, и в том, что отражала саму идею тираноборчества в пластической форме. «Тираноборцы» послужили образцом для другой знаменитой, но уже почти современной нам композиции – скульптуры «Рабочий и колхозница» (1937 г.) Б.М. Иофана и В.И. Мухиной.
Еще одна знаменитая работа ранней классики – «Дискобол» скульптора Мирона. Дискобол запечатлен в мгновение, когда он уже готов метнуть диск. Фигура напряжена до предела, и мы видим не только позу, но и живо представляем атлета в следующее мгновение, когда диск окажется в воздухе.
Самым примечательным в скульптуре является ее лицо. Оно совершенно безмятежно, без следов напряжения. Но это сознательный ход скульптора, так как напряжение мышц лица может разрушить чистоту и гармонию, благородство образа спортсмена.
Одной из заслуг классицизма является развитие теории изображения, попытка выявить идеальные пропорции скульптуры, изображающей человека. Скульптор Поликлет высчитал, что голова должна составлять 1/7 всего роста, лицо и кисть руки — 1/10, ступня — 1/6. По этому канону он и создавал своего знаменитого «Дорифора».
Самыми величественными и знаменитыми из монументальных скульптур греки были обязаны Фидию. Пользуясь покровительством Перикла и средствами, которые тот взыскивал с Морского союза, Фидий отстроил Афинский Акрополь с его храмами Парфеноном и Эрехтейоном, а также зданиями Пропилеи, величайшими памятниками греческого зодчества.
Считается, что в этом храмовом комплексе грекам удалось добиться небывалой прежде гармонии с природой, с окружающим ландшафтом и при этом, через борьбу противоположностей, показать возможности и величие Разума. Идеи соразмерности и гармоничности, величия, воли и разума человека царили на Акрополе и воплощались в его статуях.
Самой величественной внутри Парфенона была огромная статуя Афины Парфенос (девы), сделанная Фидием в хрисоэлефантинной технике. Каркас был деревянный, тело изготавливалось из пластин слоновой кости, а одежда из листов золота. Другой скульптурой в такой технике был Зевс в Олимпии (от 12 до 17 метров в высоту), считавшийся одним из семи чудес света.
Легко догадаться, почему оригиналы статуй в хрисоэлефантинной технике не сохранились. И хотя греки иногда все еще обращались к драгметаллам для изготовления скульптур, основными материалами стали бронза и мрамор.
По мере того, как Греция теряла доминирующее положение в средиземноморье, идея величия все меньше трогала сердца скульпторов. Теперь они обращают внимание на сложные переживания, страсти и душевные порывы, по-прежнему стремясь изобразить совершенство.
Скопас, Пракситель и Лисипп – величайшие греческие ваятели поздней классики. Каждый из них выразил свое яркое индивидуальное мироощущение, свой идеал красоты, свое понимание совершенства. В искусстве Скопаса дышат страсть и порыв, беспокойство, глубокие сомнения и скорбные переживания.
Скопасу принадлежали, в числе прочего, оригиналы скульптур Аполлона Кифареда, сидящего Ареса («Арес Лудовизи»). Но вероятно самая характерная – статуя Менады или Вакханки (Дрезденский музей). Здесь мы видим новшество, очень важное для развития реалистического искусства: в отличие от скульптур V в. до н.э., эта статуя полностью рассчитана на обозрение со всех сторон.
Пракситель (370—340 гг. до н.э.) выразил в своем творчестве совсем иное начало. По свидетельству античных авторов он любил Фрину, знаменитую куртизанку, обвиненную в кощунстве и оправданную афинскими судьями. Восхищенные ее красотой, они признали ее достойной всенародного поклонения.
Фрина служила Праксителю моделью для статуй богини Афродиты (Венеры). Ваяя в мраморе богиню любви и красоты Афродиту, Пракситель запечатлел в плавности контуров и идеальных пропорциях тела богини, в естественности ее позы, в ее взоре, саму Красоту и Любовь. Обнаженная богиня стала знаменитой еще при жизни скульптора и дошла до нас во множестве фрагментов и копий. Также огромной славой пользовалась скульптура «Отдыхающий сатир».
Лисипп работал в последнюю треть IV в. до н. э., был современником Александра Македонского. Творчество его как бы завершает искусство поздней классики. В отличие от Скопаса и Праксителя, он предпочитал работать с бронзой. В заслугу Лисиппа следует отнести введенные им новые пропорции при изображении человека.
Поликлет считал, что голова идеальной статуи должна составлять 1/7 всего роста. Но современникам его скульптуры казались несколько приземистыми и тяжеловесными. Лисипп же предложил сделать голову в 1/8 роста. В результате скульптурные образы стали получаться более динамичными и легкими.
Кроме того, Лисипп теоретически осмыслил идею о том, что людей надо изображать не такими, какие они есть, а такими, какими они кажутся. Т.е. изображать не позирующего человека, а так, словно натурщик не замечает, что его ваяют. Этот принцип сейчас активно используется в репортажной фотографии, когда фотосъемку стараются сделать как можно менее заметной для получения снимков большей реалистичности.
Работе Лисиппа принадлежит знаменитый «Апоксиомен» (Рим, Ватикан), атлет, запечатленный уже после соревнований. Лисипп был любимым скульптором Александра Македонского, его официальным портретистом. Известно, что Александр так полюбил статуэтку Лисиппа «Пирующий Геракл», что не расставался с ней даже в походах.
Эллинистическая скульптура
Со смертью Александра Македонского принято начинать эпоху эллинизма. Это было противоречивое время для истории античного искусства. С одной стороны, греческая культура активно проникает во все страны восточного средиземноморья и обогащается местными традициями. С другой, войдя в тираж и теряя породившую ее социальную почву, греческое искусство переживает упадок, в нем все сильнее проявляют себя академизм и эклектизм.
Одной из самых известных скульптур эпохи эллинизма является Венера Милосская скульптора Агесандра (Александра?). Искусствоведы отмечают не только ее совершенство, но и отсутствие оригинальности. Характерно, что современники ничего про нее не написали, в отличие от Афродиты Праксителя.
Такие грандиозные скульптурные группы, как «Лаокоон с сыновьями» и «Фарнезский бык», по сравнению с изваяниями Парфенона, кажутся излишне театральными, перегруженными, размельченными в деталях. В то же время такой шедевр как «Ника Самофракийская» (Париж, Лувр) лишена этих недостатков и ничуть не уступает скульптурам классики.
Заслуживают внимания пергамские скульптуры галлов, созданные скульптором Эпигоном во второй половине 3 в. до н.э. «Галл, убивающий себя и жену» и «Умирающий галл» передают целую гамму человеческих чувств на грани смерти.
Искусство эллинизма пошло дальше по пути создания реалистичного портрета. Яркий пример – Диадох. Бронзовое его изваяние, это не обобщенный образ, а портрет. Этот человек запечатлен художником во всем своеобразии его личных черт, исполненном сознания своей власти. В этой скульптуре соединяется острый реализм и обожествление земного владыки.
Но развивается не только героический портрет. Бытовой жанр (иногда с уклоном в гротеск) и даже карикатура получают все большее распространение. Появляются рельефы с жизнерадостными буколическими сценами, прелестные изображения детей, подчас оживляющих грандиозные аллегорические изваяния царственных особ.
Римская индивидуальность
Разгром римлянами эллинистических государств не прервал историю греческого искусства. Но с этих пор его принято назвать римским. Чуждые идеализма и мечтательности греков римляне ценили в искусстве реализм и повествовательность.
Поэтому наибольшее развитие получил скульптурный портрет, а также рельефные композиции, чаще всего повествующие о победе римского оружия. Конкретность и выразительность составляют отличительную черту всей римской портретной скульптуры, ее специфику и особенность.
Кроме того, победив Грецию силой оружия, римляне оказались побеждены очарованием ее культуры. Римляне не только массово вывозили из Греции скульптуры, но и заказывали огромное количество копий для своих домов и вилл.
Скульпторы, работавшие над римскими статуями, то идеализировали образы под греческим влиянием, то снова обращались к крайнему реализму, непрерывно ведя поиск все более совершенных способов отразить в портрете внутренний мир человека, его настроение и эмоции.
Именно в этом лучшим скульпторам римского времени удалось превзойти прежних мастеров. Они сумели, отринув идеализацию обобщенного образа, отразить характер и эмоции конкретной личности, во всей ее сложности и противоречивости.
